[Review] EXODUS - Goliath (2026)

 

Artista: EXODUS
Álbum: “Goliath”
Año: 2026
Género: Thrash Metal
Duración: 54:09
Sello: Napalm Records

Hablar de thrash metal es hablar de EXODUS, una de las bandas fundamentales del sonido de la Bay Area y responsable de algunos de los riffs más agresivos y definitorios del género. Tras el sólido “Persona Non Grata” (2021), la banda regresa en 2026 con “Goliath”, su decimotercer álbum de estudio, marcando además el retorno de Rob Dukes en la voz, cuya presencia imprime una crudeza renovada y una agresividad más directa que encaja perfectamente con el enfoque del disco.

Desde sus primeros segundos, el álbum deja en claro su intención: no hay espacio para la complacencia. “3111” abre con una descarga de riffs afilados y una batería implacable, estableciendo un tono violento y urgente que atraviesa gran parte del trabajo. La canción, inspirada en la brutalidad del narcotráfico, refuerza además un enfoque temático más oscuro y contemporáneo, alejándose de tópicos más tradicionales del thrash para adentrarse en una realidad cruda y tangible.

Esa intensidad inicial se desarrolla en “Hostis Humani Generis”, donde la banda demuestra una mayor profundidad compositiva al alternar entre secciones rápidas y pasajes más densos, generando una dinámica que aporta tensión y variedad. EXODUS no se limita a la velocidad: construye atmósferas, juega con los contrastes y mantiene el interés a través de cambios de ritmo bien ejecutados.

Con “The Changing Me”, en colaboración con Peter Tägtgren, el álbum introduce matices más modernos, incorporando elementos de groove y estructuras menos lineales. Sin perder agresividad, la banda experimenta con su propio lenguaje, ampliando su paleta sonora sin traicionar su esencia. En una línea más directa, “Promise You This” se presenta como uno de los momentos más memorables del disco, gracias a su equilibrio entre potencia, estructura y un estribillo que se instala con facilidad.

El punto de inflexión llega con el tema que da nombre al álbum, “Goliath”. Aquí EXODUS reduce la velocidad para sumergirse en un terreno más pesado y opresivo, con riffs densos y una atmósfera cercana al doom. La inclusión de arreglos de cuerdas aporta una dimensión inesperada, generando un contraste que enriquece el conjunto y demuestra la voluntad de la banda de expandir su sonido sin perder identidad.

La segunda mitad del disco mantiene la intensidad, aunque con un enfoque más técnico y acumulativo. Temas como “Beyond The Event Horizon”, “2 Minutes Hate” y “Violence Works” refuerzan el dominio absoluto de la banda en el terreno del riff thrash, combinando precisión quirúrgica con una ejecución feroz. Sin embargo, es también en esta sección donde el álbum muestra una de sus pocas debilidades: la densidad compositiva puede generar cierta sensación de saturación, con canciones que, si bien son sólidas, tienden a perder individualidad dentro del conjunto.

Aun así, el trabajo de guitarras de Gary Holt y Lee Altus se mantiene como uno de los pilares indiscutidos del álbum, entregando riffs afilados y solos intensos que sostienen el nivel de energía en todo momento. La interpretación vocal de Rob Dukes, por su parte, aporta una agresividad visceral que eleva el carácter del disco, consolidándose como uno de los elementos más destacados de este regreso.

En definitiva, “Goliath” funciona como una declaración de fuerza. EXODUS no solo reafirma su lugar dentro del thrash metal, sino que demuestra que aún tiene la capacidad de evolucionar dentro de sus propios márgenes. El álbum equilibra tradición y modernidad, combinando velocidad, técnica y una producción contundente que potencia cada uno de sus elementos.

No se trata de un trabajo revolucionario, pero sí de uno profundamente sólido y coherente, que captura la esencia del thrash en su forma más pura mientras introduce matices que enriquecen su propuesta. Para los seguidores del género, es una escucha obligatoria; para el resto, una prueba contundente de que EXODUS sigue siendo sinónimo de potencia, actitud y metal sin concesiones.

Valoración Metal Spirit:
🔥🔥🔥🔥½ (4.5 / 5)

Por Maxius Battyeht P.-

[Review] ROB ZOMBIE - The Great Satan (2026)

Artista: ROB ZOMBIE
Álbum: “The Great Satan**
Año: 2026
Género: Industrial Metal / Groove Metal / Shock Rock
Duración: 38 min aprox.
Sello: Nuclear Blast

Pocas figuras dentro del metal contemporáneo han logrado construir una identidad artística tan reconocible como ROB ZOMBIE. Desde su irrupción en los años noventa con White Zombie hasta su consolidación como solista, el músico estadounidense ha sabido combinar riffs industriales, grooves pesados y una imaginería profundamente influenciada por el cine de terror, el exploitation y la cultura pulp.

A lo largo de su carrera, Zombie ha cultivado una propuesta que trasciende lo musical para convertirse en una experiencia estética completa: discos que parecen bandas sonoras de películas inexistentes, cargadas de monstruos, psicodelia macabra y humor negro. En ese contexto aparece “The Great Satan”, su octavo trabajo de estudio, un álbum que parece mirar deliberadamente hacia atrás para rescatar parte de la crudeza y el espíritu irreverente que marcaron su etapa clásica.

El regreso del guitarrista Mike Riggs, quien fue parte fundamental de los primeros discos solistas del artista, refuerza esa sensación de retorno a las raíces. La producción apuesta por guitarras más directas, grooves pesados y menos ornamentación electrónica que en algunos trabajos anteriores, privilegiando una energía más orgánica y visceral.

Desde sus primeros segundos, “The Great Satan” deja claro que no pretende ser un disco contemplativo. El álbum abre con “F.T.W. 84”, una descarga inmediata de riffs distorsionados y batería contundente que marca el tono general del trabajo: un metal industrial con fuerte acento groove y una actitud descaradamente provocadora.

El segundo corte, “Tarantula”, continúa esa línea pero introduce una atmósfera más oscura y cinematográfica. La canción se sostiene sobre un riff hipnótico y repetitivo que recuerda el enfoque minimalista que Zombie suele utilizar para construir canciones destinadas al directo. Aquí, el groove domina por completo la estructura, generando una sensación casi ritual que conecta con la tradición del metal industrial de finales de los noventa.

Uno de los momentos más interesantes del disco llega con “Heathen Days”, una canción que combina riffs pesados con una base rítmica más dinámica y que destaca por su estribillo particularmente pegadizo. La composición logra equilibrar agresividad y melodía sin perder el carácter oscuro del álbum.

En “Punks and Demons”, Zombie explora un enfoque más punk dentro de su propio universo sonoro. La canción se caracteriza por su ritmo acelerado y su espíritu irreverente, recordando que el artista siempre ha tenido una conexión natural con la actitud rebelde del rock más primitivo.

Otro de los momentos destacados es “(I’m a) Rock ’N’ Roller”, probablemente una de las canciones más directas y contagiosas del álbum. Aquí el groove domina por completo la estructura y el tema se construye alrededor de un riff simple pero tremendamente efectivo, demostrando una vez más la habilidad de Zombie para convertir la repetición en un recurso hipnótico.

Hacia la mitad del disco aparecen composiciones más experimentales como “Out of Sight” o “Sir Lord Acid Wolfman”, donde el artista vuelve a explorar su faceta más teatral y cinematográfica. En estas canciones se percibe con mayor claridad la influencia del horror psicodélico y la estética bizarra que siempre ha acompañado su carrera.

El cierre del álbum mantiene esa atmósfera delirante, con canciones que parecen construidas como escenas sonoras dentro de una película grotesca e imaginaria, donde riffs pesados, samples y efectos crean un universo propio que combina humor oscuro y violencia sonora.

Uno de los mayores méritos de “The Great Satan” es su capacidad para recuperar el espíritu lúdico que siempre ha definido la música de Rob Zombie. El álbum no intenta reinventar el metal industrial ni tampoco busca modernizar el sonido del artista. Por el contrario, apuesta por reafirmar una identidad que ya es reconocible y que ha demostrado funcionar durante décadas.

La producción privilegia la crudeza por sobre la sofisticación. Las guitarras se sienten más frontales y los riffs ocupan el centro de la mezcla, lo que da al disco un carácter más cercano al groove metal que a las texturas industriales más complejas que Zombie exploró en otros momentos de su carrera.

Sin embargo, el álbum también exhibe algunas debilidades que han acompañado al músico en sus trabajos más recientes. En ciertos pasajes, la estética termina imponiéndose sobre la composición, generando canciones que funcionan más como atmósferas o ideas conceptuales que como estructuras completamente desarrolladas.

A pesar de ello, el disco logra sostener su interés gracias a su personalidad. Incluso en sus momentos más irregulares, Zombie mantiene esa capacidad única para construir mundos sonoros cargados de referencias cinematográficas, personajes grotescos y humor macabro.

Más que un ejercicio de innovación, “The Great Satan” funciona como una celebración del universo artístico de Rob Zombie, un recordatorio de por qué su estilo sigue siendo tan reconocible dentro del metal contemporáneo.

En definitiva, “The Great Satan” es un álbum que reafirma el ADN musical de ROB ZOMBIE. No se trata de un disco revolucionario ni pretende competir con los clásicos que definieron su carrera, pero sí logra capturar el espíritu irreverente y teatral que siempre ha sido el corazón de su propuesta artística.

Con riffs pesados, grooves hipnóticos y una atmósfera que parece sacada directamente de un filme de terror psicodélico, el álbum ofrece una experiencia entretenida y fiel a la identidad del artista.

Para los seguidores de su obra, este trabajo representa un regreso a territorios familiares pero todavía vibrantes, donde el metal industrial se mezcla con la estética horrorífica y el espectáculo grotesco que Rob Zombie ha perfeccionado durante décadas.

Valoración Metal Spirit:

🔥🔥🔥🔥☆ (4 / 5)

Por Maxius Battyeht P.

[Review] Serenity - Lionheart (2017)

Los últimos trabajos de SERENITY sugerían que el mundo del metal siguiera sus pasos con atención, confiando en la aparición de un disco que se convierta en la piedra basal del grupo y confirmara que los austriacos mejoraban disco tras disco. Por suerte para todos, la banda evitó decepcionar a su audiencia y presentó el año pasado un disco que, si no es el mejor de su discografía, al menos es el de confección más perfecta, su obra más acabada. "Lionheart" mantiene a lo largo de sus trece temas una intensidad y un cuidado en los detalles que merece ser imitado por aquellos grupos amigos de los discos irregulares, en los que a una canción memorable sigue un sinsentido melódico.

Un trabajo conceptual sobre una figura como Ricardo “Corazón de León” – ¡Cruzadas, gracias por ser una fuente de inspiración constante para el metal! - no puede iniciar sino con una introducción épica. "Deus Lo Vult" hace referencia a la expresión que el papa Urbano II utilizó en el Concilio de Clermont para justificar el llamado a la Primera Cruzada. Melodía con coros y tambores, introduce en un universo de sangre y espadas con la eficacia de una banda de sonido cinematográfica. Sutilmente, la introducción se une a la fuerza de "United", tema que avisa el tenor de todo el trabajo a través de una excelente utilización de los recursos clásicos del género: riffs acertados, coro pegadizo, buen solo de guitarra y una letra que se aprende a la primera oída. Si había una manera expeditiva para que el grupo acerque a sus seguidores al mundo del que trata el disco, estos dos primeros temas son la vía perfecta.

"Lionheart" respeta la fórmula anterior, quizá apoyándose más en los recursos de Georg Neuhauser como frontman de la agrupación. Hay aquí también un coro fácil de retener, tiempos acertados y una melodía que mantiene el tono épico para terminar en un epílogo marcial, de tambores y vientos que, poco a poco, se marchan hacia el silencio.

La siguiente canción es "Hero". Un inicio más fuerte que los anteriores deja paso rápidamente a otro buen tema, en sintonía con el momento del desarrollo de la historia que el álbum se propone contar. Cierto tono pesado no es en vano en ese sentido, aunque la segunda parte de la canción presenta un interesante cambio melódico que anticipa un final con la fuerza del inicio.

El quinto tema es "Rising High": su inicio atrapa con una efectividad innegable, permitiendo imaginar cómo sería un videoclip de esta canción si las bandas del género tuvieran los recursos de otras. No sólo es un perfecto cierre para esta primera parte del álbum; es uno de los puntos más altos de todo el disco, lo que se demuestra también en la calidad del solo de guitarra que opaca lo realizado Christian Hermsdöfer en los anteriores temas.

Llega el tiempo de la balada: "Heaven" se recubre con una bella melodía, sumando a Katja Moslehner en las voces, alcanzándose así un mejor registro. La voz femenina brilla en el segundo coro, recordando pasajes de otra gran banda europea: Lunatica.

"King´s Landing" y su teclado cadencioso constituyen una nueva introducción, que augura una segunda parte del disco en el mismo sendero de la primera. Los acordes son los mismos que se reiterarán al inicio de "Eternal Victory", otro tema con buen coro, ambientación marcial y doble bombo.

Lo que "Rising High" fue a los primeros minutos del disco, "Stand and Fight" lo es para su parte final. El inicio adelanta lo que será el coro, y se incorpora al bajista Fabio D´Amore en las voces, aporte que no tiene una motivación técnica sino la búsqueda de un tono diferente para lo que la canción busca narrar.

"The Fortress (of Blood and Sand)" arriba con tonos que recuerdan la música de Medio Oriente (o, mejor dicho, lo que Occidente cree que es la música de Medio Oriente) para dar paso al tema menos indispensable del disco, quizá porque no alcanza en ningún momento a conquistar al oyente como lo hacen las demás canciones de este trabajo. La diferencia se acentúa al escuchar, seguidamente, a "Empire", trabajo que se presenta con algunos de los mejores acordes de todo el álbum. Serenity se recupera magistralmente, con otro buen coro y un clima que crece con su cercanía al final.

"My Fantasy" es un medio tiempo intenso, pegadizo también. La melodía transmite cierto optimismo que contrasta con los tópicos correspondientes a las anteriores canciones; quizá en ello radique su sonido distintivo respecto al resto del álbum. Otro buen solo de Hermsdöfer corona la canción.

Finalmente se desembarca en "The Final Crusade". En primer lugar, se debe reconocer que al metal le faltan guitarras acústicas: cuánto se disfrutan esas cuerdas clásicas cada tanto. Si bien el tema es algo pretencioso y suma detalles de los que pondría prescindir, es un buen epílogo para el disco, dejando en la memoria una melodía que sirve de broche de oro.

No dudo en afirmar que "Lionheart" es el mejor trabajo de Serenity. Si bien hay grandes canciones en sus anteriores discos –en especial, los dos discos inmediatamente anteriores- este álbum sobresale por su armonía y cohesión; temática y personajes dignos de ser versionados por una banda de metal melódico. El desafío es aprobado con creces: "Lionheart" es casi imposible de interrumpir cuando se lo escucha por primera vez, y ese detalla expone la conexión que Serenity ha logrado con su audiencia.

Calificación: 9.0/10

Realizado por Martín Mazzucco.-

[Review] Dekta - Dekta (2017)

DEKTA cobra vida en el año 2015 cuando Cubitus (Voces) se une a COVER INC. una banda de versiones de grupos que tuvieron mucho éxito dentro del panorama metálico durante la década de los 90's y los 2000 como PANTERA, MACHINE HEAD, SEPULTURA, SLIPKNOT y un largo etc, por tanto no podíamos esperar otra cosa del disco debut de esta banda que una amalgama de temas llenos de influencias de los grupos que antes citábamos, pero es solo eso...¿o hay algo mas donde rascar?.

Aunque lo primero que llama la atención del grupo es su imagen donde esconden sus rostros debajo de unas mascaras y una indumentaria donde los componentes visten de forma uniformada lo más importante es tener claro que la música supera con creces su imagen y no estamos delante de un grupo que quiera imitar a unos SLIPKNOT porque quizás es al grupo que menos semejanzas tiene de todos los citados anteriormente.

En primer lugar destaca el magnífico sonido que tiene el CD, ya desde los primeros instantes del primer corte titulado "False" notamos un sonido con gran empaque que junto al ritmo machacón del tema se convierte en un buen inicio del trabajo, directo y sencillo jugando muy bien Cubitus con las voces que ya en este primer tema nos presenta una gran variedad de registros tanto melódicos como agresivos. "A New Age" empieza con un riff deudor del groove metal más puro, de nuevo un ritmo pesado pero envuelto con estrofas vocales que evolucionan de formas más progresivas y aquí empezamos a ver otro de los puntos fuertes del grupo y es el no abusar de los estribillos en todos los temas y en este lo utilizan solo en un par de veces, en tono melódico y bastante melancólico, solo de guitarra corto y con toques caóticos dejándonos un gran tema que casi enlaza con el siguiente puñetazo del grupo "Erased" al más puro estilo PANTERA sobre todo por el sonido de las guitarras y el trabajo vocal, diferenciándose de los Tejanos por tener un estribillo mucho mas melódico pero muy bien trabajado. "My Paradise" sigue los parámetros anteriores pero con las voces un poco distorsionadas en algunos momentos, estribillo de nuevo muy melódico en la onda de unos MUSE en forma. "Another Man" es un medio tiempo con partes acústicas, cierto aire tristón y un muy buen trabajo vocal de nuevo de Cubitus, este tema me recuerda mucho a STONE SOUR el grupo paralelo de Corey Taylor de SLIPKNOT cuando están en su faceta más tranquila. Continuamos de nuevo con un tema poderoso como "The Same Lies", inicio con influencias de grupos como MACHINE HEAD que para mi gusto pierde un poco en el estribillo demasiado comercial para una composición tan contundente, aun así no deja de ser un muy buen tema. Y para mí a partir de aquí viene lo que de ser un notable disco pasa a rozar el sobresaliente, "Losing My Life" es muy rítmica pero poderosa, estrofas pausadas que van evolucionando a parámetros más duros, la voz de Cubitus llega a momentos desgarradores y esta vez sí un estribillo melódico pera absolutamente genial. Solo el inicio oscuro y lóbrego de "Look Into My Eyes" nos recuerda a unos PARADISE LOST o unos MOONSPELL metálicos, casi todo el tema está envuelto en un aura gótica, sobre todo en el estribillo hasta llegar a la parte final que de nuevo recuerda a PANTERA con esos riffs machacones y Cubitus desgarrando la voz. Y para finalizar el tema más duro del disco, "Bloody Land", en parte gracias a la colaboración de Javier Cardoso ex-VITAE IMANA a las voces guturales, inicio con toques tribales, base rítmica muy pesada y riffs al más puro estilo SEPULTURA de la época "Roots" o " Chaos A. D", alterna las partes más tranquilas de todo el disco con las más poderosas y contundentes, Cardoso se sale en los guturales combinando perfectamente con los pasajes más melódicos de Cubitus, la sección rítmica está tremenda en este tema y las guitarras no paran de cambiar los riffs constantemente, magnifica forma de acabar este trabajo.

En conclusión un disco muy compacto, con un grupo bien compenetrado donde parece que Cubitus sea lo más destacado pero nada más lejos de la realidad, todos los componentes están a gran altura, se nota que son un grupo muy trabajado, quizás un poco encorsetado en algunos aspectos como que ningún instrumento destaque por un gran momento instrumental y aquí es donde el voceras es el que le da las melodías y marca la agresividad en cada momento y que el tema requiere. Otro aspecto a tener en cuenta es que los temas dentro de su estilo son lo suficiente diferentes entre ellos para resultar un disco variado y que se va apreciando en las distintas escuchas posteriores sus detalles, a todo esto le sumamos la gran producción que se ha marcado el grupo en sus propios estudios Lexxo y una masterización de auténtico lujo hecha por Marc Lewis (TRIVIUM, COAL CHAMBER, DEVILDRIVER) que dota de un sonido muy contundente el trabajo.

Esperemos que DEKTA comiencen a recoger pronto los frutos de un trabajo tan bien realizado como es este debut de la banda, un disco a tener muy en cuenta sobre todo para el seguidor del metal norteamericano de las últimas dos décadas.

Calificación: 8.5/10

Realizado por KikeMaiden.-

[Review] Dimmu Borgir - Eonian (2018)

Hablar de DIMMU BORGIR es hablar de calidad musical, excelentes videoclips, presentaciones en vivo de dejarnos sin aliento y contenido en sus letras. Estos noruegos han logrado mantenerse en el “mainstream” del Metal desde hace, por lo menos, veinte años. Discos como “Enthrone Darkness Triumphant”, “Puritanical Euphoric Misanthropia”, “Death Cult Armageddon” e inclusive el poderoso “In Sorte Diaboli” dan la clara imagen de que se puede construir una carrera sólida y sin tropezones. Bueno, los noruegos lo habían logrado hasta ahora…

Esta es mi primer reseña para la pagina Metal Spirit y me hubiera gustado que el debut hubiera sido más disfrutable, y no me refiero al hecho de hacer reseñas sino al álbum que elegí analizar. Voy a ser lo más franco posible: “Eonian” es un disco flojo, muy flojo. Merece una audición completa justamente por lo que mencionaba que nos han ofrecido en el pasado, nada más. El título del disco no podría ser más acorde al tiempo que tardaron en componerlo, y ese tiempo que se tomaron no se ve reflejado en la calidad del mismo en lo más mínimo.

Ya las dos canciones que habían adelantado (“Interdimensional Summit” y “Council of Wolves and Snakes”) daban la crónica de una muerte anunciada. Exceptuando pasajes aquí y allá y “Ligthtbringer”, el disco cae en una redundancia musical en sus estructuras, recurriendo una y otra vez a estribillos ejecutados por coros que después de la cuarta o quinta canción ya se hacen demasiado previsibles. Las letras no escapan demasiado al nivel de la música, con letras un tanto vacías para lo que nos tienen acostumbrados los noruegos. Una mezcla mal lograda de epistemología y gnoseología con espiritismo y una pizca de ocultismo para evitar que se vean aún más bobas.

Sin querer caer en el simplismo recurrente de las ausencias como las de ICS Vortex y Mustis, en parte da la sensación de que nunca lograron recuperarse totalmente de estas bajas. Los estribillos con coros de relleno son un síntoma claro, pero en “Abrahadabra” lograron disimularlo con mayor éxito y lograron un buen disco. Se entiende perfectamente que las bandas deben “evolucionar” y no convertirse en una copia de sí mismas, pero tanto en el caso de repetirse como de cambiar tanto al punto de hacer un disco de esta índole demuestran falta de inspiración, y por ende, una crisis de creatividad.

Se hace difícil creer que una banda que quince años atrás nos pateaba la cara con su majerstuoso “Death Cult Armageddon” hoy componga canciones como “Archaic Correspondence”. Se sabe que los “blast beats” por sí solos no garantizan nada ni significan que siempre dan mayor fuerza a una composición, pero las pocas y pobres apariciones son alarmantes y hacen más difícil aún digerir el álbum. Como dije antes “Lightbringer” es la única canción que pone el pecho a las balas y que se puede decir que disfruté íntegramente, junto al hermoso instrumental de cierre “Rite of Passage”. De no ser por éstas dos composiciones mencionadas el resultado habría sido todavía más catastrófico. Es imperdonable que una banda de este porte haya tardado ocho años para presentarnos algo así, ¿acaso se contagiaron de Metallica? Esperemos que no. Deseo de todo corazón que para el próximo álbum la fórmula se invierta: menor demora en la composición y mayores resultados.

Calificación: 4.0/10

Realizado por Anhell Vecchio.-

[Review] Sopor Aeternus & The Ensamble Of Shadows – Poetica, All Beauty Sleeps (2013)

Sin ser un erudito del estilo, pero abriéndome a masificar el gusto musical por el metal me atreví con un género bastante singular, del cual no soy experto, sin embargo y estando en varios grupos de rock y metal de la red, me he dado cuenta que no por ser amante de un estilo el resto valga menos del que te gusta, he ahí de este cambio abrupto de comentar un disco distinto y que encontré bastante particular.

SOPOR AETERNUS & THE ENSEMBLE OF SHADOWS es una banda de Darkwave relacionada comúnmente con la Subcultura gótica, que ha conseguido gran prestigio en círculos especializados, su líder conocido como Anna-Varney Cantodea, de cual el nombre "Varney" está inspirado en la novela de vampiros Varney the Vampire or the Feast of Blood (Varney el Vampiro en el Festín de Sangre) de 1847.

Poco se sabe acerca de Anna-Varney Cantodea, salvo que ha creado un personaje andrógino oscuro y rodeado de misterio, muy acorde con la música que compone. De Anna-Varney no se conoce su auténtico nombre, tampoco organiza conciertos. En las fotografías suele aparecer con mucho maquillaje o con máscaras. No da entrevistas en persona, y sólo las concede si éstas se hacen en condiciones que garanticen su anonimato.

Anna-Varney crea su música en torno a sí mismo, y para sí mismo. En ella trata temas como la muerte, el suicidio, el mal, la soledad y la tristeza.

Tampoco se sabe mucho acerca del "Conjunto de las Sombras" ("The Ensemble of Shadows").

Ana-Varney no suele hablar en profundidad del tema, pero en varias ocasiones afirmó que durante casi tres décadas vivió en condiciones extremas de soledad, depresión y desesperación. Una vida torturada y unos sentimientos negativos que provocaron su descubrimiento de estas "presencias o voces sobrenaturales" que consiguieron despertar sus sentidos musicales y le obligaron a compartir con el público las obras que creaba en su cabeza.

Su música es muy emocional y lúgubre, con un estilo que ha mutado y evolucionado disco tras disco, desde la electrónica de sus comienzos al electro-gótico pasando por la música medieval y renacentista. En su música podemos encontrar tanto instrumentos tradicionales como instrumentos de viento (en especial flautas), guitarras, bajos y cuartetos de cuerda, como sintetizadores o cajas de ritmos.

¿Se puede elaborar un álbum que refleje de manera real el atormentado mundo del maestro absoluto del horror? Edgar Allan Poe debería estar satisfecho luego de escuchar este disco “Poetica – All Beauty Sleeps”. Cabe destacar que todas las canciones de éste LP, según declaraciones de Anna-Varney ya han aparecido en otros álbumes de su extensa discografía, aunque mejoradas y en nuevas versiones.

Esta vez, a diferencia de los álbumes anteriores la protagonista es la música de la banda y no la quejumbrosa y grandilocuente vos de Varney.

Aunque el disco quiera ofrecer el horror absoluto, los temas que lo componen están impregnados de una infinita y absoluta tristeza, como si Anna-Varney le cantara sobre la tumba al escritor Poe. Es un LP teñido de atmosferas lúgubres y plañideras que las produce un instrumento denominado theremín, el cual es un aparato electrónico capaz de reproducir fúnebres susurros que asemejan a las viejas películas de terror en blanco y negro.

Cerca de una hora y media dura este majestuoso disco, ofreciéndonos una obra maestra. 11 temas impresionantes, inclusive considerando los instrumentales.

El disco abre con una intro instrumental bastante emotiva "The Oblong Box", utilizando a saber las cuerdas y el piano que llegando al final se sienten los pasos que van a abrir la puerta para el ingreso a esta casa de horror.

"Dreamland" inicia como lo es habitualmente el Gothic Horror Metal, lúgubre como si fueras a un funeral es el tema mas extenso de la placa con una duración aproximada de 14 y más minutos, Anna-Varney nos lleva a un abismo de tristeza con su voz llena de aflicción que la caracteriza y esa base de instrumentos melancólicos que de vez en cuando tienen tintes de horror que sin duda de trasladan a una casa embrujada, es como si una mujer afligida por el espanto te contara un cuento; los efectos que da la banda al tema, sin duda es como estar dentro de dicha casa.

Una pista llena de emotividad en su prólogo, bella interpretación de la banda, majestuosidad absoluta y esa voz que la acompaña contando la historia, con tintes renacentistas y mitológicos le da a "Eldorado" una mística especial, con instrumentos de vientos que se notan en ciertos pasajes del tema.

Los vientos de esta canción al inicio son tremendos, para luego pasar a las cuerdas con un tocar sensible acompañadas por el piano en su base hacen que de "The Sleeper" traspase una atmósfera especial, el cantar de Anna-Varney te traspasa a un cuento sensible en medio del horror de la historia. Es la segunda canción mas larga del álbum con una duración de más de 10 minutos. Durante el cantar hay una base magnifica que la llena de misticismo, simplemente extraordinaria. A eso del minuto 6 un instrumental de vientos, cuerdas y percusión (talvez muy corto) se hace aún más espectacular.

"Alone" es otra tremenda pieza, con una intro muy sensible de instrumentos y la voz sensible de Varney, además los vientos de trompetas y las cuerdas de violines hace de esta canción una obra que no podemos dejar de escuchar.

"The Conqueror Worm" es una canción muy mística, una voz tanto menos quejumbrosa da al tema alma y fibrolidad, además la mezcla de instrumentos de índole electrónicos entrega un toque que mezcla lo antiguo con lo nuevo, da la impresión como si en esta casa embrujada un duende ahora le tocara su turno para contar el cuento.

"Alone (2)" un poco más extensa que la anterior, sin embargo, está marcada por la falta de la voz, si, es un instrumental bastante armonioso mezcla de vientos, cuerdas y teclas; da la sensación de un ambiente plagado de bruma en medio del amanecer. Simplemente fantástico.

"The City In The Sea", aquí si se nota más la presencia del horror, tema con un prólogo entre penoso y terrorífico, además aquí Anna-Varney da un toque especial con la voz lastimosa que llega a lo profundo de su ser, muy buena canción, es otro tema de más de diez minutos, sin embargo, a diferencias de las otras, y a mi gusto, es un poco menos grandilocuente que las anteriores, solo por gusto personal.

"The Oblong Box (2)", un instrumental corto y agradable que hace la pausa justa antes del final del álbum.

Un inicio grandilocuente con cuerdas y piano que vuelven a adentrarte en esta casa de terror creada por Anna-Varney, "The Haunted Palace" es un tema emotivo como contando el final de la historia de horror al que se nos adentró en este disco sublime, pasajes lentos bien logrados, se compacta de buena forma la melodía con la voz, a pesar de todo no logra tener el éxito de los otros temas más longevos, se hace, al final, un tanto aburrido de escuchar.

Una canción lenta y emotiva para terminar el disco, tal vez un poco más de lo mismo, pero ya es el final y se aguanta todo. "A Dream Within A Dream", en honor al libro del mismo nombre (Un sueño dentro de un sueño) escrito por Edgar Allan Poe, buen tema que no hace sino otra cosa que demostrar que Varney tiene una voz majestuosa, aun repitiendo la estructura de las canciones anteriores.

A pesar que este concepto no es el más original, este álbum “Poetica All Beauty Sleeps” merece más que seguro una oportunidad dentro del género siendo una propuesta interesante de la banda, en donde se remasterizan algunos temas importantes de su repertorio, dándoles un enfoque totalmente nuevo y fresco. Consideración aparte es que en varias de las canciones se usan poemas sacados del mismísimo escritor Edgar Allan Poe, agregando la melodía perfecta y siendo un deleite para los amantes del género.

Sin ser amante del estilo el escuchar esta placa me hace repensar que el mundo del rock y el metal da para mucho y como buen amante de dichos géneros debemos abrir nuestra mente para poder escuchar de todo, alimentarnos de esta exquisitez que nos entrega el mundo del metal y saborear todos sus géneros y subgéneros de los cuales son muchas veces desconocidos para gran parte de sus seguidores.

Calificación: 8.5/10

Realizado por Claudio Ocampo.-

[Review] Cerberus - Otura Ka (2014)

Malinalli, Marina o más ampliamente conocida como La Malinche fue una mujer indígena mexicana que fungió como traductora de Hernán Cortés durante el doloroso y triste proceso de conquista, mismo que vio caer a uno de los imperios más grandes, poderosos e influyentes que el mundo ha conocido.

Su conocimiento del náhuatl, maya y castellano le hizo desempeñar un rol protagónico del cual los españoles sacaron ventaja militar y política. Sin embargo, el precio que ella tuvo que pagar fue muy caro, pues hasta el día de hoy en México existe la palabra ‘’malinchismo’’ para referirse a aquella acción de no valorar lo que es propio de nuestro país y preferir lo extranjero, lo ajeno, lo que no es nuestro.

Si hay un adjetivo que puede adjudicarse a una gran mayoría de los metaleros mexicanos es precisamente ese, malinchistas, y es que la tendencia a consumir metal proveniente de Europa y Estados Unidos dejando de lado la amplia gama de ofertas locales se ha vuelto un cáncer que debilita progresivamente a la escena nacional.

Afortunadamente, la escena ha resistido este mal y poco a poco, con mucho esfuerzo, energía y entusiasmo, ha logrado que la atención de los metalheads mexicanos se concentre en la gran cantidad de bandas talentosas, prometedoras, sólidas y contundentes que existen ya no digamos en el país, tan solo en la ciudad de México, en un proceso en el que sin duda el uso de redes sociales y nuevas tecnologías ha tenido mucho que ver.

CERBERUS es el ejemplo perfecto de la calidad y nivel que las agrupaciones locales tienen, siendo una de las propuestas más exitosas y prometedoras de los últimos años. Oriunda de la ciudad de México, la banda está integrada por Paul Wrath, principal compositor y mente maestra, quien también desempeña el rol de guitarrista y vocalista, Vogel Skullcrusher en la guitarra rítmica, Jerome D'Beast en el bajo y Ed Khronos en la batería (al momento de la grabación de Otura Ka, Cerberus estaba integrado por Paul Wrath, Rotted Bvkod, Erebos Kaos y Johannes Skullcrusher).

Entre sus principales méritos destaca el hecho de haber sido una de las bandas teloneras de Metallica durante el Hardwired Tour en el 2017, así como haber ganado el premio Kalani a mejor banda de Thrash Metal en el 2015 y ser, desde mi perspectiva, una de las agrupaciones que mejor manejo hace de las redes sociales y plataformas streaming como Spotify o Youtube, pues desde el 2016 han sacado cuatro singles por esos medios. Todos ellos de gran calidad.

Actualmente Cerberus se encuentra trabajando en su nuevo álbum de estudio, que esperamos vea la luz a comienzos del siguiente año., pero en este espacio nos concentraremos en analizar su debut "Otura Ka" (el álbum está compuesto de nueve contundentes y brillantes temas de los cuales escogí cinco para esta reseña. Puedo decir que son mis cinco temas favoritos pero recomiendo escuchar el disco en su totalidad pues las otras piezas también son de gran calidad), un trabajo que bien podría ser un referente para esta generación de Metal mexicano y cuyo legado no ha hecho más que comenzar.

El álbum comienza con "Moyugba Wa", un intro atmosférico, melancólico y envolvente que da inicio con un acorde de guitarra acústica que se fusiona con una sección de cuerdas y una voz femenina que le da una dimensión épica, enigmática, etérea.

Súbitamente un riff poderoso rompe la atmósfera, anunciando el comienzo de "Otura Ka", la canción que le da título al disco, una pieza musical llena de poder y energía que nos sumerge en la propuesta musical de Cerberus: una ejecución impecable, una voz limpia pero desgarradora, un coro memorable que se acompaña de voces guturales, una batería vibrante y un bajo estruendoso.

La canción tiene un par de cambios de ritmo que le dan una dinámica única, rozando un poco con la progresividad, los solos de guitarra son de un alto nivel técnico pero sin dejar de lado la emotividad y la expresión. Sin duda, un golpe contundente a la cara de todos los escuchas que anuncia algo importante: la bestia ha sido liberada.

La siguiente pieza a destacar lleva por título "Until The End" y funge como la balada del álbum, una Power Balad en realidad, da inicio con una guitarra acústica que de inmediato hace sentir nostalgia, melancolía y que despierta en el oyente los sentimientos más nobles y bellos. Posteriormente, una guitarra eléctrica entra ejecutando una sección melódica que acompaña a los acordes iniciales y que se integra con la voz de Paul, que realiza un dueto con una bella voz femenina, mismo que sirve como preámbulo para el coro: una sección emotiva, poderosa con muchas dimensiones distintas en donde la distorsión juega un papel muy importante. Súbitamente y fiel a uno de los elementos característicos de la banda, un cambio de ritmo entra y desata una lluvia de riffs distorsionados, solos melódicos y hasta una sección de twin guitar.

Todo va desenvolviéndose de forma progresiva hasta que la canción llega a su punto máximo, con un solo emotivo, de esos que enchinan la piel y crean una atmósfera épica, memorable. La canción concluye con los mismos acordes de guitarra iniciales en lo que es una oda al amor desde una perspectiva relacional: amar es una cuestión de entrega, compromiso, apoyo, reciprocidad y soporte emocional, es estar dispuesto a acompañar a tu pareja hasta el final del camino. 

La siguiente canción lleva por título "Cerberus" y como tal, marca la carta de presentación de la banda, un himno que formará parte de su setlist por siempre y las razones son simples: es una canción brillante. Un riff devastador que es secundado por una batería aplastante y una atmósfera progresiva con tintes Thrash innegables dan inicio a la pieza. Es una canción que expresa abiertamente la identidad de la banda, Cerbero se ha liberado y está dispuesto a destruir todo a su paso, sin remordimientos, sin pedir perdón o permiso y es mejor que estemos preparados o nos quitemos de su camino.

‘‘We’re Cerberus and we’re here to destroy this place, get ready or get the fuck away’’ es la consigna que integra el coro y que se repite acompañada de una descarga de poder, adrenalina, energía, velocidad y fuerza. Esta rola tiene todos los elementos que una canción de presentación debe tener: un discurso de identidad, una declaración de principios, una cátedra de ejecución, cambios de ritmo, solos técnicos e hipnotizantes y un final envolvente, progresivo, que se va apagando poco a poco. Sin duda, la bestia está libre y no se detendrá hasta devorar al mundo entero.

Y para cerrar con broche de oro llega "Soul Burner", una de las mejores canciones de Heavy Metal que se han compuesto en nuestro país y que este servidor haya tenido el placer de escuchar, estamos hablando de la obra maestra de Cerberus hasta la fecha.

Una colección exquisita de riffs galopantes, solos de guitarra de una ejecución impecable pero que también transmiten un sinfín de emociones, un coro memorable, que se queda en la mente del escucha desde la primera vez y que tiene un tinte majestuoso. Es la canción con más duración del disco y por lo tanto, la que más cambios de ritmo tiene, integrando una estructura compleja que no deja de ser demoledora y que hizo que un servidor moviera la cabeza incontables veces al momento de escucharla.

Pero lo mejor de la pieza es su desenlace, justo cuando crees que ha llegado el final, los instrumentos se apagan y dejan al bajo en primer plano ejecutando una línea épica que se acompaña de cuerdas y que da paso a una explosión de solos de esos que te enchinan la piel y erizan los pelos de la nuca, fue difícil para mí contener las lágrimas al escuchar una transición tan orgánica y bien construida.

Definitivamente es una canción perfecta que muestra el nivel de ejecución, composición, imaginación y emotividad que tiene la banda, creando uno de los mayores himnos del heavy metal y que pinta para ser una canción icónica que quedará grabada en las páginas de la historia del metal mexicano, a un lado de rolas como El infierno de dante de Transmetal, Pasaporte al infierno de Luzbel o Thrashing the blind school de Strike Master.

En conclusión, "Otura Ka" es un disco magnífico que posee un alto nivel de composición y que es capaz de despertar múltiples sentimientos diversos a partir de atmósferas épicas y envolventes que transportan al escucha a una dimensión musical oscura, pero bella. La propuesta musical de Cerberus podría ser definida como Heavy Metal moderno con tintes Thrash y progresivos empleados de forma sutil que fortalecen su música además de dotarlos de un sonido característico.

Es un álbum debut impresionante que deja en alto la bandera, tanto para las otras bandas que integran la escena como para ellos mismos, y que le demuestra a todos los metaleros malinchistas que en nuestro país hay propuestas que se defienden por sí mismas y que no envidian nada de las corrientes vanguardistas del viejo continente.

La historia quizá jamás perdonará las acciones de La Malinche, pero está en nuestras manos cambiar el destino de la escena nacional, fortalecerla, apoyarla y valorarla como lo que es: un espacio de fraternidad, hermandad, pasión, entrega y sobre todo, metal de calidad mundial.

Mi calificación final es un rotundo diez. Sin duda es un disco que los amantes del metal deben escuchar, conocer y apreciar.

Calificación: 10/10

Reseña elaborada por: Marcos Emiliano Mosqueda, KrausserStrange

[Review] Therion - Beloved Antichrist (2018)

"Beloved Antichrist" es, sin duda, el proyecto más ambicioso de THERION y personal de Christofer Johnsson, su opera magna por así decirlo, pero lamentablemente se queda en Ópera, porque de Magna por ahora "Vovin" y a mi gusto "Deggial", que claro está, son álbumes de Metal sinfónico.

La historia de la Ópera que esta por presentarse es bien sabida que bebe del libro de Vladímir Serguéyevich Soloviov llamado “Tres diálogos y Relato del Anticristo” (edición castellana) que versa sobre el ascenso del anticristo y otros discursos filosóficos donde la moral, religión y estética juegan papeles importantes. ¿Pero qué ha fallado? ¿Ha sido la pretensión de alcanzar el olimpo del metal, cual Ícaro que termina consumido por sus ambiciones, los cuales han devenido en esta obra difícil de digerirse? o ¿la forma como se ha presentado la misma es el verdadero problema?

En definitiva, no somos capaces de analizar todo el álbum, tema por tema, que lo hemos escuchado concienzudamente, las 46 canciones divididas en tres actos que alcanzan un poco más de las 3 horas. Es por esto, que nuestro análisis toma únicamente ciertos temas para graficar de forma general de que va este álbum.

Comenzando de nuevo, antes de escuchar una sola nota de la historia de esta Opera Metal se oye un coro armónico en tono menor que va ascendiendo sobre un fondo musical complejo saturado de riffs, donde los elementos sinfónicos son usados solo para mostrar que se está haciendo metal, sinfonía y opera. Todo ese ambiente se encuentra desplegado sobre una batería cuyo acento es inadecuado, a mi punto de vista en ese coro inicial, finalmente el cambio de tiempo de ese primer tema "Turn of Heaven" que da paso a "Where Will You Go? " con esa secuencia de beats en la batería muestra lo poco precisos que estuvieron todos los que compusieron el álbum en esos pequeños detalles que diferencian lo bueno de lo genial. Este proceso musical ha de repetirse constantemente.

Ese prologo que comienza con unas notas específicas y termina con otras notas ni siquiera armonizadas con sus primeras cambia el tono del tema subsecuente y esto pasa durante todo el álbum, las narraciones jamás encuentran su lugar, porque la música difícilmente acompaña la historia y el tránsito entre un tema y otro desarticula la historia que busca contarse, aun así, hay pequeñas victorias en esto, puesto que muchas veces somos sorprendidos gratamente : “Through Dust, Through Rain”, “Rise to War”, “Resurrection” o “Temple of New Jerusalem” son ejemplos.

Para terminar quiero hacer referencia al tercer acto donde todavía se observa la lucidez del líder de la banda, ‎Christofer Johnsson, lucidez que lo pone a la altura de muchos compositores. Un leitmotiv es una representación musical dentro la opera de una persona, idea, emoción u otro elemento dramático. "Prelude to War" una pieza instrumental, irregular y sinfónica marca el derrotero de los tres temas que siguen, pero acentúa en sus notas lo que se manifiesta luego,¿ que quiero decir con esto?, que ese tema de alguna forma está metido en los siguientes, ya sea con una base metálica, ya sea en los coros o en elemento dispersos sinfónicos como queriendo mostrar que las batallas se ganan siempre antes de lucharse parafraseando a Sun Tzu. En "Rise to War", por ejemplo, sobre todo cuando el tema comienza, prestad atención a los tambores de guerra de fondo, esos ya han sido escuchados en el Preludio a la guerra o "Prelude to War"; ha medida que se va desenvolviendo la canción, "Rise to War", siempre igual (riffs metálicos, pequeñas bases sinfónicas y coros) ese es un problema, ya analizado, entramos de nuevo en el leitmotiv, los tambores nuevamente resuenan abriendo "Time Has Come/Final Battle" que finalmente encuentran a un Seth y Apollonius que cantan: "Ha llegado el momento, Victoria". Esta secuencia de temas utiliza la instrumentación, el tempo y la armonía de forma perfecta y se van sucediendo de uno a otro , dialécticamente, entrelazándose, negándose y volviéndose a afirmar logrando por fin desenvolver esa compleja historia que quiere contarse, la música pasa al fin a un segundo plano, sí, se que suena paradójico, pero en una ópera la historia es el eje fundamental, entonces acá, en el tercer acto, entre “Prelude to War” y “Time Has Come/Final Battle" la música se convierte en el lienzo invisible sobre el que las notas van armando las emociones de la historia que quieren transmitirse. En efecto, los minutos más bellos de toda la ópera.

“Beloved Antichrist” tiene un problema y no es aquel que se ha estado criticando, la música desgastada de Therion, sino la forma como se presenta la historia, la obsesiva búsqueda de momentos sobre escenas, donde no se narra la historia sino se da un simple mensaje, hay temas que son brillantes, temas que superan por si solos algunos puntos altos en la discografÍa de los suecos, ya hemos hablado de esos temas, pero esos temas, no pueden ser evaluados por sí mismos, pues estamos ante una ópera donde deben participar de un rol más grande, configurar la opera que quiere presentarse y ahí es donde el álbum naufraga.

Como apunte final, el álbum aprueba porque creo que simplemente no estamos preparados para evaluar y escuchar el riesgo tomado llamado: “Beloved Antichrist”.

Calificación: 6.0/10

Realizado por GhonzaliStone.-

[Review] Vulgar Addiction - D-Hominización (2017)

Después de mucho tiempo sin novedades, un nuevo material ha sido selecto para la digna reseña. Nuevamente es turno de la ya conocida banda VULGAR ADDICTION, dado que se realizó la reseña del sencillo Mortui-Docent el cual fue clave para este álbum titulado "D-Hominización", en ese entonces contaban con la presencia del guitarrista Javier Villalta, son embargo la de demás alineación se mantiene sin añadir a nadie extra, por lo que continúan y lanzan este material con cuatro mentes, y contando con colaboraciones especiales como Manuel Velázquez guitarrista de Agora.

Esta vez nos presentan un platillo distinto, con una mejor producción y sobre todo una diversificación rítmica. El primer plato es una entrada al glorioso festín que estamos por disfrutar, nombrado "In-Pulso" el cual inicia con el sonido de un arma al cargar proseguida de ritmos galopantes con la batería ara escuchar unos riffs muy pegajosos pero potentes y al concluir se muestra la buena ejecución del slap en el bajo.

El buen sabor de boca dejado se mantiene con la presencia de "Sin-Pulso", en donde las guitarras tienen el típico ritmo de “death” (sierrazos) los guturales demuestran agresividad y nuevamente el slap hace acto de presencia dando un buen levantón de potencia, este ritmo se mantiene hasta un poco después de la mitad donde le da entrada a unos riffs sabrosos junto con un cambio en la voz para culminar con un tapping de guitarra que se torna poderoso.

El tercer platillo es uno ya conocido, uno que ya se ha probado, "Mortui.Docent" el cual es bien recibido dentro de estos temas mostrados, no hace falta hablar mucho de este pues no se denota una gran diferencia con el single, el cual podemos leer en el siguiente enlace http://www.themetalspirit.com/2017/06/review-vulgar-addiction-mortui-docent.html

Continuamos la esta entremezcla de sabores con "Festín de Ulceras" el cual tiene ritmos juguetones con las guitarras acompañadas de buenos redobles, los cuales se mantienen durante el tema, el doble bombo realza el poder y las guitarras se muestran con ritmos un tanto más variables. A la mitad del tema comienza un cambio interesante en cuestión rítmica para darle entrada al solo de guitarra que mantiene la jugosidad de la base inicial, con sonidos absorbentes para culminar con una presencia vocal brutal y esta intensidad va en incremento con cada iteración hasta finalizar.

El mejor plato ha llegado a la mesa, "Estigia" el cual maraca un diferencia entre el disco, y en hora buena, pues es el tema central. Los riffs de las guitarras comienzan a resultar inesperados, lo que le da un toque interesante, mostrando una gran madurez musical intentando nuevos sonidos, nuevas mezclas jugando con tiempos diferentes lo cual resulta en un sonido pegajosos, lo cual es apreciable pues te engancha. Se denota un jugo más agradable entre cada uno de los instrumentos y voz, al llegar el momento del sol, la producción es excelente el uso de sonido Estéreo es usado satisfactoriamente. El sabor final es internaste pues va perdiendo auditiva, lo cual te hace imaginar siendo absorbido por el mundo de los muertos, al tétrico ambiente de podredumbre. Con esta atmósfera inicia un tema intrigante titulado "No Name Pt.1" en el cual se añade un sonido fúnebre al haber cruzado a un mundo lleno de muerte, acá notamos que la batería impone poder sin llegar a los excesos, es un tema complicado de describir ya que los ritmos de las guitarras con inconstantes y aun si se disfruta, dejando el solo al final del tema el cual encaja de buena forma con el ritmo base.

"Gorgona", notamos la presencia de la guitarra a medio tiempo, es decir, ritmos cortantes, silencios pequeños entre los rasgueos, lo cual se torna de buen gusto al darle un realce a la voz. Al igual que todos los temas se denota un ritmo singular, pues contamos con la presencia de Javier (antiguo guitarrista), escuchamos unos tonos más agudos de parte de las guitarras.

En "Mentira" nos muestra nuevamente el uso de la distorsión realizada por el arrastre de cuerdas junto con el bajo que alimenta la pesadez del tema marcando bien las transiciones de tiempo. Conforme progresa el tema un tapping muy agradable se presenta, lo cual genera un ambiente propicio para un buen solo de guitarra. 

Después de todo este deguste llegamos al palto final "Castillo de mi Lucidez" en el cual inicia de una manera demasiado peculiar, pues la velocidad disminuye significativamente recordándonos un poco a la atmósfera manejada por Mercyful Fate, el bajo es el que toma la batuta inicial provocado una robustez a pesar de la velocidad de los ritmos, lo cual logra que el tema este lleno de sensaciones abrumadoras. Este tema cuneta con la participación de Manuel (Guitarrista de Agora) la cual resulta muy bien elaborada en la hora del solo, este tema es de más larga duración. A pesar de los tiempo la voz se ajusta perfectamente, acá podemos encontrar una ambientalización más profunda en perspectiva con os demás temas. La conclusión de este tema me deja con un mal sabor de boca, ya que el final los ritmos son repetitivos, pero ellos no es lo malo, sino, el que se postergue por minuto ese mismo ritmo, lo cual conlleva a que en ocasiones tengas que adelantar el tema.

En términos generales un disco llenos de agresividad, la voz en todo momento demuestra la furia, una voz que resulta entendible y divertida, las letras del disco son extrañas, complicadas de entender el enfoque. La portada del disco resulta sobresaliente, muy atractiva y acorde con los temas que nos muestran la autodestrucción de la sociedad. Cada tema tiene ritmos distintivos que resultan fácil recordar y te motivan a realizar un buen slam de que con la primera escuchada te atrape y quieras volver a escucharlo. Un disco que logra demostrar la calidad musical y la dedicación para ofrecer un material de corazón, en donde se denota la intención de cada uno de los integrantes al momento de ejecutar las piezas. Esto nos lleva a dar una calificación de 9.5, y como ya se había mencionado, debemos de tener el ojo puesto en ellos, pues han logrado demostrar que pueden mejorar con cada producción.

Calificación: 9.5/10

Realizado por Nicolás Olivares

[Review] No One Is Innocent - Frankenstein (2018)

Siempre he pensado que descubrir algo es maravilloso. Una canción, un vídeo bizarro, ropa, una tienda, un grupo completo. Pues bien, no suelo salir mucho del confort que me ofrecen las bandas de metal en español y en inglés, en ocasiones alemán, pero fuera de ello no había ido más allá. México, Inglaterra, España, Estados Unidos, Alemania entre otros países me habían ofrecido aquello que estaba buscando, pero el día de hoy quise ir “más allá” y conocí a la siguiente banda.

NO ONE IS INNOCENT es una banda de metal alternativo, rap metal, funk metal y un poco de rock alternativo originarios de París, Francia. La banda se formó en 1994. Ha tenido 4 formaciones, la más reciente se conforma de: Kémar Gulbenkian (vocal), Shanka (guitarra), Bertrand Dessoliers (bajo), Yann Coste (batería) y Ludovic Mazard (máquinas y producción).

Pues bien, hoy nos embarcaremos a conocer (quienes como yo, no la conozcan) a esta curiosa banda francesa. ¿Preparados?

"Frankenstein" es un álbum publicado en Marzo del 2018, cuenta con 11 canciones y tiene una duración total de 37 minutos.

- "À la Gloire du Marché": Podemos notar algo de influencia de los grupos punk de los años 70’s. Una energía buena, un ritmo pegadizo y un buen vocal. La energía que manejan es impresionante, realmente desearía ir a un concierto de ellos.

- "Ali "King of the Ring": El manejo vocal es muy bueno. La batería luce a sus anchas, haciéndonos ver que tienen potencial. La letra es interesante, aunque mis conocimientos de francés no son muchos, he buscado la letra en internet y me doy cuenta del tesoro que estaba escondido por aquí.

- "Desperado": Vaya que nos han dejado claro en las dos canciones anteriores que Francia tiene talento escondido. Y aquí nos han demostrado el porqué. Ya hemos hablado de la batería y el vocal. Pues en esta canción queremos hacer un digno homenaje a la guitarra, guitarrista y a su técnica. ¡Bien fait!

- "Frankesntein": La canción principal. El bajo tiene un buen protagonismo, la técnica usada en esta melodía, el final más bajo y la tenue voz del vocalista hacen una excelente combinación. Cabe mencionar que la letra es bastante reflexiva y bastante bien planeada, hablar sobre la guerra y el horror, qué estamos haciendo mal o qué deberíamos de ponernos a pensar. ¡Bien logrado! «On ira tous au paradis»

- "Les Revenants": Un inicio calmado, con un clímax muy bueno. El francés de Kémar es bastante guapo. De nuevo podemos notar las influencias de los grupos punk, y para quienes hayan escuchado Odio a Botero quizá la canción les recuerde a sus canciones.

- "Hold Up Au Nom du Peuple": Bueno, el solo de guitarra fue bastante guay. La mezcla musical también estuvo bien, no es de mis canciones favoritas del álbum, pero tampoco estuvo mal.

- "Nous Sommes la Nuit": – Inicio limpio y claro, energía buena por parte del guitarrista, que bien puede ir de un espectacular solo eléctrico a un espectacular acompañamiento semi-acústico. Kémar no nos mostró lo mejor de él, sin embargo nos vamos satisfechos.

- "Teenage Demo": ¿Les gusta el slam? Pues esta canción es la indicada para comenzar a hacer el mosh pit. La espera, los altos, los bajos, todo funciona bien, ¿iniciamos ya el mosh?

- "What the Fuck": Ya estamos llegando al final del disco. Esta canción demuestra bien un sentimiento. Escúchala cuando más ganas tengas de gritar y/o brincar.

- "Mad King": Una canción más calmada, indicándonos que se acerca el final. Relajada pero sin duda una excelente canción.

- "Paranoid": Un cierre excelente para un disco genial. Una guitarra tan bien ejecutada, una voz bien entonada. ¿Qué más podemos pedir?

Sin duda hoy me di cuenta que Francia es más que Soko o más que Alizée. Por favor, escuchen el disco, es muy bueno.

Calificación: 9.0/10

Realizado por Mili.-

[Review] Eagleheart - Reverse (2018)

EAGLEHEART comienzan su andadura en el 2003 en Berno (República Checa) cuando Michal Kus (guitarra) decide juntarse con unos amigos y dar rienda suelta a sus inquietudes musicales, pero no es hasta que entra el vocalista Vojtěch Šimoník cuando el grupo comienza a tener una estabilida editando el ep. “Black sun” con cierto éxito a nivel local. En el 2007 logran sacar con el sello independiente Metal Swamp el cd “The moment of life” y consiguen ser supporters de bandas del calibre de WASP, ELVENKING, BLAZE BAYLEY o DARK MOOR en su país. Su siguiente trabajo ve la luz en el 2010 con la producción de Roland Grapow (MASTERPLAN, EX-HELLOWEEN) y con el sello Italiano Scarlet records para todo el mundo que les mantiene en activo durante dos años cuando el vocalista Vojtěch Šimoník deja la banda siendo reemplazado por Roman Sáček que debuta en el festival Master of rock, el grupo recibe magnificas criticas con el nuevo cantante y son invitados a acompañar a DRAGONFORCE en su gira centroeuropea.

Seis años después nos traen su último trabajo “Reverse”, un magnifico disco de power metal que hará las delicias de todos los seguidores de este estilo. Se inicia el disco con la instrumental “Awakening” que engancha rápidamente con “Until Fear is Gone” un tema rápido con toques a los primeros SONATA ARTICA o NOCTURNAL RITES por sus melodías vocales pero musicalmente más duros, “Palace of Thoughs” sigue los mismos parámetros que el tema anterior pero con unos toques mas progresivos. “Healing the Scars”, “All I Am”, y “ Reverse” son más contundente con unas guitarras muy poderosas estando más cerca de grupos como NOSTRADAMEUS, BRAINSTORM o los desaparecidos LOST HORIZON, aquí el registro vocal de Roman Sáček es más agresivo sin perder la melodía. “Erased from Existence” empieza con unos punteos de guitarra muy progresivos y potentes para ir desenvolviéndose con una parte lenta muy melódica con unos magníficos estribillos, ligeros toques folkies en la parte central para acelerar el ritmo y dejarnos un gran tema. Ritmos orientales dan inicio a “Mind to Decipher” tema duro, contundente cercano al thrash/death melódico y con la voz de Roman Sáček dando lo todo y algún gutural de apoyo siempre alternado con estribillos melódicos. “Endless” nos devuelven a los EAGLEHEART mas melódicos en la línea de STRATOVARIUS, ANGRA o NIGHTWISH. En “Painting the Shadows by Light” y “Enemy within” de nuevo sacan la parte más dura y contundente, riffs de guitarra rápidos, cambios de ritmo, doble bombo a raudales y grandes melodías vocales. Finalizan el disco con la balada “Erased” con medio tema cantado solo junto al piano hasta llegar al estallido en la parte central donde entra todo el grupo y dejarnos un digno tema final.

Destacar el trabajo del grupo en su conjunto sonando muy potentes durante todo el disco, técnicamente muy interesantes dejando temas directos pero bastante complejos sin caer en el progresivo, destacar el vocalista Roman Sáček con un timbre muy melódico pero agresivo cuando le hace falta al tema y darle una profundidad de matices que hace que destaque por encima del resto de componentes. Gran producción de Roland Grapow como en el anterior disco y editado por Scarlet records.

Pocas novedades nos aporta este grupo Checo pero lo que hacen es de una calidad incuestionable, superior a muchas de las bandas consagradas que hoy en día todavía siguen sacando discos y realizando giras, si te gusta el power metal que se viene realizando desde el principio de la década de los noventa no lo dudes EAGLEHEART te dan razones suficientes para que este en un lugar privilegiado de tu estantería o mp3, yo no lo dudaría…

Calificación: 8.0/10

Realizado por KIKEMAIDEN

[Review] Blazon Stone - Down in the Dark (2017)

El sueco Cederick Forsberg es uno de esos pequeños genios que de forma discreta pero insistente no paran de crear multitud de proyectos para poder dar rienda suelta a toda esa creatividad que lleva en su interior, siempre mostrando su amor por el heavy metal más genuino es un autentico creador de temas poderosos y demoledores en todos los grupos que ha fundado hasta ahora, si todo esto no es suficiente es un músico como la copa de un pino capaz de tocar cualquier instrumento y rodearse de los músicos que le hagan falta dependiendo de la banda y el sonido que en ese momento le interesa, una de las que más existo está teniendo junto a ROCKA ROLLAS es BLAZON STONE. Por si esto no es suficiente desde hace poco más de un año es el actual guitarrista de la banda sueca THE STORYTELLERS.

Lo que en un principio era un mero divertimento para homenajear a una de sus bandas favoritas como son los piratas alemanes RUNNING WILD del ególatra y maravilloso a la vez Rock´n´Rolf, se ha convertido en uno de sus proyectos más aclamados por sus seguidores y lo ha hecho con tanto cariño y honestidad que le ha dado un toque tan original y personal al proyecto que cada disco editado ha ido mejorando y perfeccionando su sonido de tal manera que ahora mismo son más auténticos que los propios RUNNING WILD. Siempre creando temas nuevos y nunca utilizando temas de los alemanes Cederick ha basado su estilo y sonido en la era más famosa y exitosa de los piratas alemanes que transcurrió entre 1988 con el grandísimo “Port Royal” y el “Victory” de 1998 que fue el principio del fin de su mejor etapa.

Cederick empieza a componer sus primeros temas en el año 2011 pero no es hasta el 2013 cuando puede editar por medio del sello Stormspell y la ayuda del cantante Erik Nordkvist (ASSAULTERY) “Return to the port royal” un magnifico disco con todas las características clásicas de los piratas alemanes, como único pero quizá es que la voz de Erik es excesivamente aguda y se aleja un poco del patrón más grave y épico de Rock´n ´Rolf (RUNNING WILD), pero musicalmente es un trabajo que sorprende a muchísimos seguidores del Heavy/Power alemán. Temas como “Amistad rebellion” o la épica “The tale of Vasa” te dejan con la boca abierta por la perfección con la que se asemeja a cualquiera de las mejores canciones de los RUNNING WILD. Magnífico trabajo por parte de Cederick que toca todos los instrumentos de forma solvente destacando sobre todo en las guitarras, también se encarga de la producción y mezcla del disco.

Con “No sign of glory” del 2015 da un paso adelante en el aspecto musical pero no termina de acertar con el cantante búlgaro Georgy Peichev (MOSH-PIT JUSTICE y THE OUTHER LIMITS) que sigue siendo excesivamente agudo, aún sin acertar del todo con el cantante es un buen disco y tiene temazos como “Fight or be dead” o “No sign of glory”.

Vuelve a contar con Erik Nordkvist para el “War of the rose” del 2016, un autentico discazo de heavy metal donde Cederik compositivamente llega a un nivel altísimo y Erik hace un gran trabajo mejorando su registro vocal anterior dándole un toque más grave y agresivo empezando a tener un cierto parecido con la voz de Rock´n ´Rolf sin llegar a ser un clon, solo hay que escuchar el tema “Voici la grande peur” o la grandísima “War of the roses” para darse cuenta del nivel de calidad y detalles que tienen tan semejantes a los RUNNING WILD para que a los pocos segundos se te olvide que estas escuchando a los BLAZON STONE y te hayas transportado a la década dorada de los alemanes, inmediatamente y ante el éxito que adquiere el proyecto agotando prácticamente todas las copias que fabrica edita el ep. “Ready for boarding”, un trabajo menor también cantado por Erik que aprovecha temas que habían quedado descartados para el disco.

Esta vez solo hemos tenido que esperar un año para escuchar su nuevo disco “Down in the Dark” y parece mentira que en tan poco tiempo no solo haya sido capaz de editar este trabajo si no que acaba de sacar uno con otro proyecto como es CLOVEN ALTAR y esté a punto de editar el esperadísimo nuevo disco de ROCKA ROLLAS. A las voces vuelve a contar con Erik mientras Cederick vuelve a encargarse de todo el aspecto instrumental, producción y mezclas.

Con la instrumental “The Galleons Departure” muy parecida a cualquiera de las oberturas utilizadas por los RUNNING WILD en sus grandes discos da inicio esta nueva obra repleta de grandes temas, “Into Victory” nos da la bienvenida a los temas rápidos y poderosos, de punteos rápidos junto a esta vez sí un trabajo vocal de Erik soberbio, le ha cogido por fin el punto perfecto para éste estilo de heavy metal y diferenciarse de los registros más agudos, estribillos que te harán levantar el puño y cantar a viva voz que nos hará sentir como un autentico pirata de alta mar. “Down in the Dark” navega por los mismos parámetros con punteos rapidísimos y solos de una velocidad endiablada, doble bombo a saco y estribillo épico. Con unas suaves notas de guitarra comienza la magnífica “Hanged, Drawn and Quartered”, con toques más hard rockeros y un punteo de guitarra al inicio muy melódico, no deja de ser un clásico tema de los RUNNING WILD más deudor de grupos como ACCEPT. “Eagle Warriors” nos devuelve por la senda más acelerada, de nuevo riffs de guitarra, puentes y solos rapidísimos, estribillo sencillo pero efectivo donde Erik está sublime alcanzado notas bastante altas, es un temazo de speed metal puro y duro a la antigua usanza. Los primeros acordes de ”Tabern of the Damned” nos indican que se aproxima algo grande y el tema es una autentica pasada, a galope tendido como unos MAIDEN acelerados o HELLOWEEN de su mejor época transcurre el tema hasta llegar a un puente brutal , punteos con toques folk y un estribillo épico a más no poder, levantaras el puño y miraras el cielo pensando que los RUNNING WILD hace años que no sacan un tema tan bueno como éste, simplemente magistral. Siguen sin bajar de velocidad con “Mercilles Pirate King” un clásico tema power metalero que sigue la onda de los temas rápidos anteriores. “Watery Graves” tiene un riff seco y pesado pero muy rítmico, estribillo poderoso y una base rítmica muy poderosa. “Rock Out!!!” me recuerda muchísimo al clásico “Bad to the bone” del disco “Death or glory” de los RUNNING WILD con ese riff tan duro y esos punteos tan rítmicos, vocalmente muy macarra con cierto aire a los grupos de hard rock americanos. “1478” es una breve intro que dará paso a “Bloody Inquisition” y “Captain of the Wild” dos temas que como casi todo el disco son muy rápidas que mantienen el alto nivel de todo el conjunto.

Álbum que mejora notablemente todas sus obras anteriores, Cederick en las guitarras sigue siendo algo extraordinario y ha mejorado en el apartado de la base rítmica sobre todo en la batería, magnifica producción que suena poderosa y nítida y una gran portada.

Están intentando llevar a algunos festivales este proyecto pero desgraciadamente parece que entre Cederick y Erick no termina de haber buena química para el directo y están buscando algún cantante para poder suplirlo y hacer una pequeña gira.

El capitán Cederick lleva con mano firme su barco BLAZON STONE y esperemos que pronto encuentre un nuevo acompañante para que nosotros podamos disfrutar de estas aventuras tranquilos en éste puerto lleno de tabernas y tugurios de todo tipo sabiendo que tenemos sucesor para el pirata Rock´n´Rolf y sus RUNNING WILD. 

Calificación: 8.5/10

Realizado por KIKEMAIDEN.-

[Review] Aggression - MoshPirit (2009) / Viocracy (2012)

Confieso mi ignorancia y desconocimiento ante el resurgimiento del Thrash metal que está viviendo España desde hace más de una década. No sé si la culpa la tienen los grandes medios de difusión nacional especializada tanto en papel con las revistas que todos conocemos y que yo prácticamente ya no compro, o con su formato virtual con las páginas web que también todos conocemos, hay que buscar, rastrear y milagrosamente descubrir blogs o fanzines donde enterarte de este y otros movimientos musicales metálicos. Sí tenía conocimiento de algún grupo que estaba teniendo éxito tanto aquí en España como fuera de nuestras fronteras, como es el caso ANGELUS APATRIDA, pero no sabía que los Albaceteños eran solo la punta del iceberg, un iceberg de proporciones bastante considerables que escondía grupos como CRISIX, RANCOR, ALTARS OF SIN, VIVID REMORSE y otros que me dejo en el tintero que por ello no dejan de ser tan importantes como los nombrados. Hoy trataremos a uno de los grupos más interesantes, y que más expectación y admiración ha despertado en el panorama nacional e internacional del Thrash metal patrio.

AGGRESSION nacen en Barcelona en el año 2005, la banda está compuesta por los guitarristas Pol Luengo y Oscar Reka, al bajo Sergio Soto y como baterista Sergio García. Se pasan prácticamente tres años moviéndose por el entorno Catalan ensayando, tocando en directo y acumulando experiencia hasta editar en 2008 el EP  “Thrashing Your Brain” un trabajo potente y muy bien producido que recibe grandes críticas a nivel nacional e internacional, gracias a este trabajo fichan por la discográfica Xtreem music.

En el 2009 presentan “MoshPirit”, con portada creada por el gran ilustrador Ed Repka que ha hecho trabajos para grupos tan importantes como MEGADETH, VENOM, D.R.I o DEATH. El disco está compuesto por un intro, una outro y nueve temas brutales, llenos de buen thrash metal puro y duro, rápido y agresivo, como mandan los cánones del genero. Temas como la inicial “Chaos Anatonmy”, “Thrash and Kill”, ”Moshpirit” o “New Born Again” son claros ejemplos de Thrash metal rápido y agresivo con riffs simples pero contundentes tomando claras influencias de grupos clásicos como OVERKILL, EXODUS, KREATOR o SLAYER. Otros temas como “Thrasing Your Brain” o “Psycho Crime” recuerdan mucho a unos METALLICA en plena forma sobre todo en la entonación vocal de Pol, bastante semejante a la hora de cantar en estos temas a Heldfield aunque más agresivo. Mención especial para “Never Surrender” un tema muy de mi gusto que me recuerda mucho a los OVERKILL de canciones como “Bastard nations” o “Gasolines dreams”, con un inicio lento que rápidamente da paso a un riff machacón brutal y dejarnos seis minutos de thrash cojonudo. “I Hate You” suena de puta madre, con un ritmo que recuerda a la última época de KREATOR, grandísimo tema. Como único pero de este disco ponemos a “Countdown” que sin dejar de ser un buen tema palidece ante el resto de canciones, no sé si es la producción pero el sonido parece diferente y desentona respecto al gran nivel del álbum en general. Para ser un disco debut me parece una gran obra y hace que AGGRESSION pueda mirar de frente a cualquier banda del panorama Thrash internacional, dejando a muchos discos de grupos consagrados muy por debajo de este cuarteto Barcelones.

Tras la edición del disco “MoshPirit” y tener una magnífica acogida, se embarcan en una gira que les llevara a encabezar varios pequeños festivales del panorama nacional y actuar en distintas salas hasta finalizar a mediados del 2010. Sufren la pérdida del bajista Sergio Soto y del baterista Sergio García, que rápidamente serán sustituidos por dos músicos jóvenes como son José Rosendo a la batería y Carlos Leonardo al bajo que aportaran nuevas ideas e influencias al grupo.

“Viocracy” ve la luz en el año 2012, con portada de Eliran Kantor que ha realizado trabajos para bandas como TESTAMENT o SODOM. Los AGGRESSION nos presentan un disco arriesgado, complejo y muy elaborado, técnicamente perfecto, podríamos decir que estamos ante la banda de metal extremo nacional con el sonido más vanguardista hasta estos momentos, si en su anterior obra la referencia que tenían eran bandas clásicas del thrash metal, ahora se decantan por las bandas más técnicas de este estilo como CORONER, VOIVOD o ANNIHILATOR, incluso a la hora de ejecutar los temas nos recuerdan en muchos momentos a grupos de otros estilos como el Death metal o el Heavy metal. Temas con desarrollos cercanos al metal progresivo, multitud de riffs complejos, solos de guitarra rapidísimos y multitud de cambios de ritmo se sucederán continuamente durante todo el trabajo que hará que el fan más exigente disfrute de este disco como nunca. Una de las bazas más importantes del disco es la cantidad de influencias y referencias a otras bandas y estilos musicales que puedes encontrar en cada tema, haciendo que cada una vaya adquiriendo una evolución y personalidad diferente consiguiendo un disco muy heterogéneo y variado. Desde la inicial “False Flags” que nos recuerda muchísimo a los primeros ANNIHILATOR de la época “Alice in hell” o “Never neverland”, rápida y ejecutada de manera perfecta, pasando por la Brutal “Chemical Slavery” con Pol escupiendo las palabras con rabia para transformarse en una sucesión de riffs heavys, cambios de ritmo y locura técnica absolutamente demoledora y todo en poco más de tres minutos.

“Viocracy” posiblemente es el tema más técnico y progresivo del disco, José Rosendo lleva el tempo del tema de manera perfecta, los riffs y cambios de ritmo de nuevo están presentes de manera muy evidente, Pol constantemente está cambiando de registros a la hora de cantar el tema y lo salva con solvencia, la parte final del tema es una serie de punteos y solos de guitarra verdaderamente virtuosos. “MK Ultra” es rápida y potente, con ritmos que caminan entre el heavy más rápido y contundente con el thrash más puro, que demuestra que AGGRESSION en ningún momento olvidan sus raíces. “Get Mad” comienza al más puro estilo de unos tristemente desaparecidos DEATH de Chuck Schuldiner (RIP), riffs pesados y machacones con ritmos contundentes que dan paso a unos punteos de guitarra muy rítmicos, estribillo muy melódico y heavy, para llegar a una parte final instrumental apoteósica, parece que el mismísimo Chuck Schuldiner se haya levantado de su tumba solo para tocar en esta canción, se me han puesto los pelos de punta. “Awake Awareness” es un tema potente y rápido, lleno de cambios de ritmo y riffs cortantes y afilados. “Human Nature” es directa, con unos punteos rápidos y virtuosos, mientras Pol canta con un estilo más agudo. Con una referencia clara a uno de los grandes del Thrash como son SLAYER se inicia “Deshumanizer” que pronto pasa a tener un ritmo rápido a lo ICED EARTH de Jon Schaffer, las guitarras sacan humo a la velocidad que transcurre la canción, con estribillo pegadizo e impresionantes los solos y punteos de guitarra de Pol y Oscar. Y la sorpresa del disco es “Victims of Bias” un tema instrumental que nos devuelve a los AGGRESSION más cercanos al Death metal y desarrollarse de la manera más insospechada en un tema de Fussion rock alternando pasajes funkies, reagges y blueseros, para rematar de manera brutal y contundente, demostrando que son capaces de tocar el estilo de música que les pase por los cojones de manera perfecta.

El trabajo del grupo es prácticamente perfecto, las guitarras de Pol y Oscar suenan impresionantes, con una variedad de riffs y solos envidiable, con una rapidez y contundencia pocas veces vista, Carlos al bajo está muy presente en todo el trabajo, no quedando relegado a un segundo plano como pasaba en el anterior disco y destacando en muchas partes instrumentales de los temas de manera magistral, José Rosendo a la batería se convierte por momentos en el instrumento estrella del disco, marcando los tempos y ritmos de manera virtuosa, aportando rapidez, técnica o contundencia en los momentos adecuados utilizando todos los componentes de su batería, haciéndonos descubrir la cantidad de sonidos que se le pueden sacar en cada tema a la percusión y Pol a las voces cambia de registros con su voz constantemente, alternando momentos melódicos con partes agresivas, realizando un esfuerzo digno de alabar, aunque se nota que Pol está más cómodo en los registros más agresivos y thrashers sonando un poco forzado en las partes melódicas, sin quitarle en ningún momento calidad al trabajo.

En resumen, una misma banda con dos trabajos completamente diferentes dentro del Thrash metal, “Moshpirit” que es como un puñetazo en la cara, básico, directo y contundente, con ritmos rápidos y agresivos que se te quedaran pronto en tu cabeza de manera fácil, un disco heredero directo de las grandes bandas del genero de los 80 y el otro “Viocracy” difícil de asimilar, con estructuras complejas y muy elaboradas, técnicamente perfecto, rozando el metal progresivo, donde la calidad de sus componentes están al servicio del grupo y no de su instrumento en particular, un trabajo que puede sufrir del síndrome del consumo rápido que tanto nos afecta hoy en día al tener tanto material sonoro al alcance de la mano de manera fácil y no tengamos paciencia de saborear y disfrutar trabajos con una calidad tan grande como este. Trabajos que necesitan más de un par de escuchas para empezar a adentrarnos y comprender la grandeza del disco, una obra que una vez te coge no te suelta, y se convierte en un disco disfrutable cientos de veces, pero que en el fondo esconde la esencia que todo metalero quiere oír y es simplemente ¡¡¡Thrash metal!!!.

Por lo tanto estamos posiblemente ante una de las mejores bandas del Heavy metal nacional con diferencia, capaz de enfrentarse a cualquier grupo internacional sin complejos, con una técnica individual de gran altura y una capacidad para componer temas de una complejidad y calidad fuera de toda duda y esto nos depara un futuro más que esperanzador para la banda.

En su contra quizá el salto evolutivo entre el “Moshpirit” y el “Viocracy” ha sido excesivamente grande y radical en algunos aspectos y ha hecho que el grupo se haya encontrado con la incomprensión de muchos fans y críticos metálicos, más partidarios del sonido y las composiciones clásicas y básicas del género.

Como todo grupo que no vive de la música sus años desde la edición del “Viocrazy” hasta ahora han sido bastante convulsos y problemáticos, miembros que han dejado la banda o un desgraciado accidente del batería José Rosendo que dio al traste con una interesante gira que tenían a punto de realizar por Francia e Italia mas una parte del territorio nacional. A pesar de esto el grupo ha sido capaz de continuar y mantenerse de forma digna abriendo para grupos de la talla de EXODUS, LEGION OF THE DAMNED o SODOM.

Hoy en día AGGRESSION ha reestructurado con nuevos componentes la formación a pesar de no tener un bajista fijo y haber terminado contrato con Xtreem music, Pol y Nico continúan componiendo para un futuro tercer disco, así que solo nos queda esperar que pronto nos demuestren que mantienen la misma calidad que sus dos anteriores discos y así poder continuar a la cabeza del thrash metal español.

En poco tiempo tendremos una interesante entrevista con los miembros del grupo para conocer con la máxima profundidad la situación actual de AGGRESSION.

Calificación

- “Moshpirit”: 8.0/10

- “Viocracy”: 9.0/10

Realizado por KikeMaiden.-